Buscaba un espacio para hablar de cine y lo hallé aquí. Éste es un blog dedicado a todos los amantes del séptimo arte que como yo tienen siempre la mente en el cine.
Reparto:Jacir Eid, Hassan Mutlag, Hussein Salameh, Marji Audeh,
Jack Fox
Sinopsis: Arabia, 1916. Luego de
haber perdido a su padre, Theeb y su hermano mayor Hussein, viven con su tribu beduina en un rincón olvidado
del Imperio Otomano. Sus vidas son interrumpidas con la llegada de un oficial del ejército
británico y su guía con una misión misteriosa que dará un giro a la vida del
pequeño.
¿Cómo
una historia cruda puede a la vez ser tan tierna? Parece un misterio, pero es
precisamente lo que el director turco Naji
Abu Nowar logra conseguir en “Theeb”,
su ópera prima.
La historia es bastante simple. Sigue de cerca
a un niño beduino, Theeb (Jacir Eid Al-Hwietat) que vive en la provincia
Otomana de Hijaz durante la Primera Guerra Mundial y se ve forzado a vivir un
acelerado paso a la vida adulta cuando se adentra en el desierto para acompañar
a uno de sus hermanos mayores a ser guía de un oficial británico (Jack Fox) que
pasa a través de su campamento con su agente árabe.
En
cuanto la cinta da inicio la situación
parece poner a prueba nuestra paciencia, pues es realmente muy poco lo que,
tanto nosotros como el pequeño protagonista, sabemos sobre la aventura que nos
depara.
¿Quién
es el hombre inglés y qué es lo que quiere? ¿Qué es lo que se haya en la caja
que con tanto recelo guarda? Es lo que nos preguntamos junto con Theeb a la vez
que escuchamos fragmentos de conversaciones entre los adultos que sólo cobran
sentido al final.
Tan
pronto como el niño decide adentrarse sólo en el desierto para intentar seguir
por su cuenta a su hermano y compañía en la búsqueda un pozo, comienzan los
giros y sobresaltos que a partir del primero serán constantes en el desarrollo;
aunque el hecho de que no vayan siempre uno tan seguido de otro y nos dé
respiros su realizador en el medio, ayuda que la historia pueda ser concebida
más como un hecho real que como uno ficticio.
En
su viaje no todo lo que ocurre es malo, hay momentos alegres y pequeñas
victorias en las que vemos, pero a la par son varias las muertes y peligros que
a Theeb tendrá que presenciar y que inevitablemente lo harán transformarse.
Y
pese a que por momentos parece que la trama se alarga y no ocurre nada, es
justo cuando comenzamos a tener tiempo para aburrirnos y reacomodarnos en la
butaca, que un nuevo incidente toma lugar para alterar el aparente orden y
hacernos así temer por el destino de nuestro pequeño héroe.
Finalmente, para
cuando descubramos el contenido la misteriosa caja del hombre inglés (que en
apariencia no era más que el MacGuffin que desata la trama pero que carece de
importancia), Theeb dejará realmente de ser niño, pues se verá empujado a tomar
un fallo del que no habrá vuelta atrás. Una cinta simplemente imperdible para
un cinéfilo.
A partir de 1935, (seis
años después de la primera ceremonia de entrega del Oscar), la Academia opto por crear una categoría que otorgara una estatuilla a la
mejor canción original incluida en una banda sonora.
Expresar en una canción
la esencia de una película sin lugar a dudas debe ser una labor complicada,
pero cuando un compositor lo consigue, éstas tienden a volverse inolvidables y
logran evocar todos esos sentimientos que como espectadores tuvimos al ver una
película.
En un inicio, las
canciones nominadas eran de un estilo clásico y bastante conservador, pero
conforme fueron avanzando los años esto cambió, permitiendo así que artistas de talla
mundial comenzaran ser premiados por composiciones mucho más modernas y sonadas
en el radio.
He aquí algunas de las mejores y más memorables canciones ganadoras del Óscar (partiendo
de lo más nuevo a lo más viejo). ¿Alguna una favorita?
“City
of Stars” de “La La Land”
Compuesta por Justin Hurwitz con letras deBenj Pasek y Justin Paul esta canción es interpretada por Ryan Gosling y Emma Stone quienes dan vida a Sebastian y Mia,
en un musical moderno con toda la esencia de los de la época dorada del cine Hollywoodense
que consigue transportarnos precisamente a esa época sin hacernos olvidar de la
realidad.
“Glory”
de “Selma”
Interpretada por el
cantante John Legend y el rapero Common, compuesta por ambos junto con Che Smith, para la película basada en
las marchas por los derechos de voto de 1965 que sucedieron de Selma a
Montgomery encabezadas por Martin Luther King, Jr.
“Skyfall”
de “007 Operación Skyfall” (“Skyfall”)
El tema principal de la
cinta número 23 sobre las hazañas del agente 007, fue compuesto por la
interprete inglesa Adele junto con junto
a Paul Epworth, quienes se llevaron la estatuilla en 2012.
Fue “Skyfall” fue una
canciónsumamente alabada por la
crítica por varias razones, pero principalmente debido a lo adecuada que
resultaba para el personaje de James Bond.
“Jai
Ho” de “Quisiera ser millonario” (“Slumdog Millionaire”)
Este tema, perteneciente
a la película ganadora del Óscar en 2008, fue compuesto A. R.
Rahman y Gulzare interpretado
por el primero.
La cinta muestra a Jamal Malik,
un joven originario de los barrios más pobres de Bombay, que logra entrar a
competir en la versión hindú de “Quién quiere ser millonario”. Yendo en contra
de todas las probabilidades, Jamal no sólo termina por ganar 20 millones de
rupias en tal concurso, sino que también luego de toda una odisea, consigue
volver a reunir con Latika, a quien amó desde niño.
De ahí que al final, en
una escena que homenajea al cine Bolywoodense, la canción sirva como el remate
perfecto que nos llena de euforia al comparar los extremos de la vida del
protagonista (cuán dura fue al inicio y cuán feliz fue al final) y así queramos
cantar victoria (o mejor dicho Jai Ho).
“Falling
Slowly” de “Once”
Glen
Hansard y Markéta Irglová, cantantes,
compositores y protagonistas de “Once” interpretan el tema principal de esta
cinta. En ella un par músico callejero y una inmigrante se conocen y pasan una
semana componiendo, ensayando y grabando canciones; al tiempo que se conocen y
en cada uno comienzan a surgir sentimientos por el otro. Una historia de amor
tan idílica como efímera y casi imposible. Todo eso es lo que condensa
perfectamente la composición “Falling Slowly”.
“Lose
Yourself” de “8 Mile: Calle de ilusiones” (“8 Mile”)
Se trató del primer rap
nominado al Óscar como canción original, aunque Eminem(intérprete y compositor junto con L. Restoy J. Bass) no
se presentó en la ceremonia para interpretar el tema (siendo la primera vez en
14 años que ocurrirá esto).
La canción habla exactamente
de lo que vive Jimmy “B-Rabbit” Smith (interpretado por Eminem), un joven
rapero a quien se le presenta una oportunidad para hacer sus sueños realidad
pero que debido al conflictivo ambiente en el que vive duda de sí mismo y de
sus oportunidades.
Una historia que parte de
las vivencias del mismo Eminem en sus primeros pasos en el mundo del rap intentando
ganarse el respeto entre los raperos de color.
“Things
Have Changed” de “Loco Fin de Semana” (“Wonder Boys”)
En el año 2000, el señor Bob Dylan logró hacerse del Óscar por
componer en totalidad este tema para la película que se basaba en la novela
homónima de 1995 de Michael Chabon.
La canción es una mirada en
primera persona de la historia de Grady Tripp (Michael Douglas), quien en su juventud escribió una exitosa novela,
pero que en el presente trabaja como profesor en la Universidad de Carnegie
Mellon. Grandy y lleva siete años sin poder escribir su segundo libro.
Las cosas se complican
más cuando su tercera esposa lo abandona, su editor Terry (Robert Downey Jr.) aparece para ver sus avances y su estudiante
protegido James Leer (Tobey Maguire) parece tener lo que se
necesita para quitarle la corona.
“My
Heart Will Go On” de “Titanic”
El tema principal de
enorme barco que se hundió nuevamente gracias a James Cameron, fue compuesto
por James Hornery Will Jennings e interpretado por Celine Dion.
En el contexto de la
época en la que zarpó y se hundió el RMS Titanic, la película nos muestra cómo
a bordo de la flota, florece la historia de amor entre Rose (Kate Winslet), una joven de la alta
sociedad, y Jack (Leonardo DiCaprio)
un artista pobre. Al final Jack es uno de los tantos pasajeros que muere al
hundirse el navío pero Rose sobrevive y debe continuar con su vida sin él.
La canción, que puede
escucharse al final del filme, habla por Rose sobre como, pese al dolor de
haber perdido al amor de su vida, debe de continuar llevándolo a él siempre en
su corazón.
“Can
You Feel The Love Tonight” de “El Rey León” (“The Lion King”)
La canción de la película
animada de Disney fue compuesta por compuesta por Elton Johncon letra de Tim
Rice, aunque en un inicio no se tenía contemplado incluirla en el filme.
La película cuenta la
historia de un pequeño león, Simba, quien es heredero al trono, pero que al ser
culpado por su tío de la muerte de su padre, se exilia en la jungla y trata de
evadir sus responsabilidades. Al crecer, Simba se reencuantra con Nala, una
leona amiga de la infancia, de quien se enamora y lo intenta convencer de regresar.
Ésta melodía, justamente
habla sobre el momento en el que entre ambos jóvenes leones surge el amor.
“Streets
Of Philadelphia” de “Filadelfia” (“Philadelphia”)
En 1993 sería el turno de
Bruce Springsteen de conseguir el
Óscar con éste tema que suena durante una de las escenas de la película que
también le valió a Tom Hanks la
estatuilla por Mejor Actor.
Andrew Beckett (Hanks) es
un joven y prominente abogado que es despedido injustamente del buffet de
abogados del que formaba parte, debido a que se descubre que es homosexual y
tiene sida.
La melancólica balada de Springsteen,
consigue ponernos en los pies de Andrew. Nos habla en primera persona sobre una
enfermedad que te va desgastando tanto física como emocionalmente y que provoca
que el miedo y los prejuicios te arroje a la soledad.
“Beauty
And The Beast” de “La Bella y la Bestia” (“Beauty And The Beast”)
Alan
MenkenyAlan Menken son los compositores
detrás del tema que en inglés se hizo popular con las voces de Celine Diony Peabo Bryson.
Esta composición, sobre la película en la que una hermosa joven que
se ve obligada a vivir junto a un príncipe convertido en bestia, es
prácticamente el compendio de lo esencial del filme: la historia de un amor muy
inesperado.
“(I've
Had) The Time Of My Life” de “Dirty Dancing”
Franke
Previte,John DeNicolayDonald Markowitz son los responsables del tema interpretado por Bill Medleyy Jennifer Warnes que suena durante el baile final de ésta cinta
protagonizada por unos jovensísismos Patrick
Swayze y Jennifer Grey. Con los
años habría de hacerse también popular entre las nuevas generaciones por parios
otros remakes.
La historia es simple: al
pasar el verano en un campamento de vacaciones con su familia, Frances “Baby”
Houseman (Grey) se enamora del instructor de danza del campamento Johnny Castle
(Swayze). Para quienes no hayan visto la película, basta con escuchar la
canción para adivinar lo que pasa con ambos.
“What
a Feeling” de “Flashdance”
La canción, compuesta por
Giorgio Moroder,Keith ForseyeIrene Cara,
interpretada por ésta última, fue el tema principal de la cinta protagonizada
por Jennifer Beals.
En ella, una joven de Pittsburgh con dos
trabajos, uno como soldadora y otro como bailarina exótica, quiere entrar en
una la escuela de ballet. De ese deseo casi imposible nos habla “What a
Feeling”.
“Fame”
de “Fama” (“Fame”)
El musical dirigido por Alan
Parker contó con éste tema de la autoría de Michael Gore y Dean
Pitchford que fue interpretado por Irene
Cara.
La película nos muestra
una crónica de la vida de varios adolescentes que acuden a una preparatoria para
estudiantes dotados en las artes escénicas. La canción nos habla sobre el
sentimiento compartido de cada uno de ellos por alcanzar la fama.
“Raindrops
Keep Fallin' On My Head” de“Butch Cassidy” (“Butch Cassidy and the Sundance Kid”)
B.J.Thomases el intérprete del famoso tema escrito por Burt Bacharach y Hal David para
el western estelarizado por Paul Newman
y Robert Redford.
En éste, Butch Cassidy (Newman) junto con su inseparable compañero Sundance Kid (Redford) comandan a un grupo de jóvenes
pistoleros. Un día, después de un atraco, el grupo se disuelve. Es entonces
cuando Butch, Sundance y una joven maestra (Katharine Ross Ross) forman un trío
de románticos forajidos que intenta huir de la ley y llegar Bolivia.
La canción captura el
optimismo y carisma de los personajes a pesar de las circunstancias.
“The
Windmills of Your Mind” de “El caso de Thomas Crown” (“The Thomas Crown Affair”)
Steve
McQueen y Faye Dunaway protagonizan el filme que
contiene esta composición de Michel
Legrand, Alan Bergman y Marilyn Bergmanque era interpretado
por Noel Harrison.
Thomas Crown (McQueen) es
un millonario de Boston que, aburrido de de la vida que lleva, prepara el golpe
perfecto: robar un banco y marcharse después a Brasil. Para ello, reúne a un
grupo de delincuentes, deposita tres millones de dólares en un banco suizo y da
el golpe sin dejar pistas. Vicki Anderson (Dunaway), la investigadora de una compañía de seguros, descubre que Crown es
la mente maestra del atraco.
El tema captura la
esencia del juego del gato y el ratón que se desata entre los protagonistas y
la historia de amor que eventualmente surge.
“Whatever
Will Be, Will Be (Que será, será)” de “El Hombre que sabía demasiado” (“The Man
who Knew too Much”)
En este remake de 1956 deAlfred Hitchcock, originalmente
dirigida por él en 1934,James Stewart
y Doris Day encarnaban, una pareja
que durante sus vacaciones familiares en Marruecos, termina por enterarse de un
complot para asesinar al primer ministro inglés. Pero este secreto pone en
riesgo la vida de su único hijo, quien es secuestrado para hacer a ambos
guardar silencio.
El tema principal,
compuesto por Jay Livingston y Ray Evans que fue interpretado por la
misma Day dentro de la cinta, es un juego entre el título de la película (que
hace referencia al hecho de que los personajes saben más de lo que necesitan) y
el hecho de que Day le dice a su hijo en una canción que la vida es inesperada
y nuestro destino incierto.
“When
You Wish Upon A Star” de “Pinocho” (“Pinocchio”)
Compuesto por Leigh Harline y Ned Washington y originalmente interpretado por Cliff Edwards (voz de Pepito Grillo en
inglés), este clásico tema que pertenece a la película del títere que cobra
vida por un deseo de Geppetto al Hada
Azul; captura prácticamente toda la esencia de lo que es (o por lo menos vende)
Disney.
Una estrofa lo puede
resumir todo: “If your heart is in your dream, no request is too extreme”. (Si
tu corazón está en lo que sueñas, ninguna petición es muy extrema.)
“Somewhere
Over the Rainbow” de “El Mago de Oz” (“The Wizard of Oz”)
Harold
Arlen y E.Y. Harburg son los responsables del
tema que Dorothy (Judy Garland)
canta al inicio del filme dirigido por Victor
Fleming, antes de la odisea que la lleva al maravilloso pueblo de Oz, mismo
en el que descubre que “No hay lugar como el hogar”.
Una canción tan
fantasiosa como la historia misma.
“The
Way You Look Tonight” de “Swing Time”
La canción que
posiblemente se hizo popular gracias a que llegó a ser escuchada de la voz de Frank
Sinatra, originalmente fue interpretada por Fred Astaire en éste musical en el que, como era habitual, hacia
pareja con Ginger Rogers (a quien en escena le cantaba Fred éste tema).
Sus responsables fueron Jerome Kern y Dorothy Fields.
“The
Continental” de “La Alegre divorciada” (“The Gay Divorcee”)
Ésta es posiblemente la
menos recordada de todas canciones aquí mencionadas. Sin embargo, es memorable
debido a que es la que sirvió para inaugurar la lista de las ganadoras de la categoría
Mejor canción Original.
En la cinta puede
escucharse de la voz de Ginger Rogers y fue compuesta por Con Conrad y Herb Magidson.
Título original: “Stronger” Director: David Gordon Green Guion: John Pollono (Novela: Jeff Bauman) Reparto: Jake Gyllenhaal, Tatiana Maslany, Miranda Richardson País: Estados Unidos Año: 2018 Género: Drama Sinopsis: Inspirada en la verdadera historia de Jeff Bauman, un hombre ordinario quien capturó los corazones de su ciudad y el mundo, para convertirse en un símbolo de esperanza, después de la infame explosión de bomba del Maratón de Boston del 2013.
"I'm a hero for just standing there and getting my legs blown off?"
En 2013, luego del
bombardeo en la línea de meta de la famosa Maratón de Boston, una fotografía de
un hombre con sombrero de vaquero cargando a otro hombre herido dio la vuelta al mundo. El herido era Jeff
Bauman, un hombre que luego de aquel terrible evento en el que perdió ambas
piernas, se convirtió en un símbolo de fortaleza para de Boston ante el
terrorismo, un recordatorio de que a pesar de la tragedia, la gente seguía de
pie.
Sin embargo, lo que el
director David Gordon Green opta por mostrarnos en su cinta no es precisamente
la historia de un héroe en el pedestal en el que lo colocó su país. Esta es más
bien la de un hombre de carne y hueso con defectos y virtudes, fortalezas y
debilidades. En otras palabras, un protagonista siempre humano en una cinta que
huye del camino predecible hacia lo cursi y que se escapa del melodrama pese a
lo mucho que se presta el tema para caer en estas situaciones.
Una decisión bastante
brillante, pues de este modo como espectadores realmente logramos entender todo
lo que sobrellevó el protagonista luego del trauma que vive, más aún al estar
rodeado de familiares y amigos que en su mayoría son ignorantes a su dolor y
sólo se atañen en exhibirlo como el icono que él no siente ser.
Y todo esto se consigue,
por medio del impecable trabajo actoral tanto de Tatiana Maslany como el
interés amoroso de David, como al que
nos tiene acostumbrados Jake Gyllenhaal, y que una vez más vuelve a ser pasado
por alto entre las nominaciones al Oscar.
Gyllenhaal nos muestra al
hombre en todas sus facetas, tanto buenas como malas y nos recuerda cómo
realmente una persona no cambia sólo porque cambie su condición. Así mismo, una
vez más, consigue hacer que nos olvidemos de él como actor y podamos con sus gestos
y lenguaje físico ver única y exclusivamente a Bauman reconstruyendo su vida y
su relación amorosa.
Esta es además una cinta
resulta bastante relevante para época en la que vivimos, pues nos muestra como
protagonista a un americano promedio cuya familia es de opiniones un tanto
desinformadas (misma que probablemente llevo a Trump al poder), pero que al
mismo tiempo tiene que reconocer el heroísmo de un hombre latino (hablo de Carlos Arredondo, aquel del sobrero vaquero que mencionaba en la celebre fotografía).
Sin duda una cinta que
bien vale la pena ver, pues es tan emotiva como directa en su mensaje.
Con acceso
exclusivo a su extraordinario archivo personal que incluye cientos de horas de
audio grabado en el transcurso de su vida, este es el documental definitivo
sobre Marlon Brando. Trazando su excepcional carrera como actor y su
extraordinaria vida fuera de los escenarios y la pantalla con él mismo como su
guía, la película explora a fondo las complejidades del hombre al contar la
historia de forma única desde la perspectiva de Marlon, enteramente en su
propia voz. No hay cabezas parlantes, ni entrevistados, sólo Brando sobre
Brando y la vida.
“Everybody's got a story to tell, something they're hiding.”
Cuando
se cuenta la historia biográfica de un icono, siempre se corre el riesgo de
contarla mal, contarla a medias o ser
parcial. Se requiere de la voz del mismo protagonista para conocer
verdaderamente a la persona detrás del personaje.
“Listen
to me Marlon” o “Conversando con Marlon” como se le conoce en español, es el
documental de Stevan Riley sobre la vida de Marlon Brando, estrenando en el
festival de cine de Sundance de 2015 y nominado al BAFTA en 2016 a Mejor
Documental, que nos permite conocer al icono del séptimo arte desde una
perspectiva bastante intima.
Éste
documental logra recordar un poco al de “Senna” dirigido por Asif Kapadia sobre
Ayrton Senna, en el cual lo único que vemos en pantalla son tomas de archivo
del astro brasileño de Fórmula 1 y en el que, pese a que recurre a entrevistar
a quienes lo conocieron en vida, éstos jamás aparecen a cuadro. De tal modo que
Senna nunca escapa de nuestra vista ni pierde protagonismo.
Pero
la diferencia entre ambos documentales radica precisamente en la narración.
Mientras que en el de Senna, en mayoría, sabemos de él lo que se nos dice, aquí es Brando mismo quien nos cuenta quién es él.
Resultas
ser que durante los últimos años de su vida, Marlon Brando grabó varias cintas
para sí mismo que utilizaba para sesiones de terapia y autohipnosis. Según
explica en esas cintas el mismo Brando, la razón era que había intentado ir a
terapia pero simplemente ningún doctor le agradaba o le parecía el adecuado y
así resolvió hablar consigo mismo.
La
película de hecho toma su nombre en inglés de la frase que el actor se repetía
para sí mismo invariablemente en las grabaciones.
Y
es gracias a dichas cintas, de las que no se tuvo conocimiento sino hasta que
Stevan Riley realizó este documental, que podemos hacer un recuento de gran
parte de la vida del enigmático y conflictivo actor, también considerado uno de
los mejores de su generación.
Así,
encontramos que aunque Marlon tenía un perfil bastante público debido a su fama
y que pese a que proyectaba una imagen de galán un tanto irreverente, en
realidad era un hombre bastante privado, introspectivo y humanista, cuya vida
privada no estuvo exenta de tragedias de las que se alimentaban los medios.
Lo
escuchamos hablar sobre su llegada a Nueva York y su acercamiento a la técnica
del método, que en su época fue toda una innovación y cuyo dominio por él se
reflejó en dos Oscares (uno por “On the
Waterfront” y otro por “The Godfather” el cual rechazo motivado por su activismo
social por el maltrato que se daba a los Nativoamericanos).
Nos
habla también sobre su infancia y su sentir sobre haber crecido con una madre
alcohólica y un padre que la maltrataba, una situación que le enojaba y dolía y
que sirvió como inspiración para uno de sus papeles más icónicos y odiado en
carácter: el de Stanley en “Un Tranvía Llamado Deseo”.
Y
nos cuenta también sus malas experiencias en cintas como “Motín a Bordo”, su
enojo con Francis Ford Coppola por no comprender su perspectiva sobre su forma
de abordar a su personaje en “Apocalypse Now” y lo absurdo que le resultaba
haber hecho tanto dinero por su breve aparición en “SuperMan” de Richard
Donner.
Incluso menciona lo decepcionado que se sentía
por haber hecho “Cady” de Christian Marquand. “¿En qué pensabas? ¿no tienes
dignidad?”, se reprochaba, “Es mejor que hablen mal de ti a que no hablen para
nada”, se justificaba.
Sin
duda la película nos provee de frases más que memorables. “Conversando con
Marlon” es todo lo que un amante del cine clásico puede pedir, el acercamiento
definitivo a un ícono del séptimo arte.
Desde su creación,
75 años tuvieron que pasar para que “Wonder Woman” tuviera su propia película y
sin duda ésta pasará a la historia. Quien lo dude no se ha puesto a pensar en
estas 10 razones:
1.La redención para el nuevo universo cinematográfico de DC
comics.
Defendido
por los fans, señalado por la crítica, el nuevo universo cinematográfico de DC
comics ha tenido tropiezos notables con sus más recientes películas a nivel de
guión o dirección. “Wonder Woman”ha
venido a irrumpir para demostrar que los héroes de DC tienen mucho potencial.
2.El carisma de su protagonista.
Hay actores que parecen
haber nacido para encarnar a ciertos personajes porque parecen cumplir con las
características básicas de éstos. Es el caso de Gal Gadot, su sonrisa es contagiosa y a otras mujeres nos hace
querer ser como ella: ingenua pero brillante, valiente y delicada. No cabe
duda, es ella Wonder Woman.
3.La visión femenina en el mundo de los superhéroes
Si bien Diana es una diosa con poderes que no
necesita ser cuidada por nadie, no se molesta por los gestos caballerosos de Steve Trevor (Chris Pine) cuando
intenta protegerla o sacarla bailar. Pero además Diana con su visión
propiamente femenina, se preocupa por ayudar a los desprotegidos, a los niños y
mujeres que lloran. Se detiene a escucharlos y quiere ayudarlos a todos.
4.La dosis necesaria de seriedad y el balance de momentos
para sonreír.
Admitamos que el cine
actual de MARVEL tiene mal
acostumbrada a la gente a reír incluso en los momentos que deberían ser tomados más en
serio los héroes. Aquí pasa como en el “Spider-Man”
de Sam Raimi, tomamos al héroe en serio pero su ingenuidad no nos hace olvidar
del humor que fluye de manera natural.
ETTA
CANDY
I'm Steve Trevor's secretary.
DIANA
PRINCE
What
is a secretary?
ETTA
CANDY
I go where he tells me to go, I do what he
tells me to do.
DIANA
PRINCE
Where we come from, that's called slavery.
ETTA
CANDY
I like her!
5.El tema principal.
El emocionante tema del
que nos ha provisto Hans Zimmercon Tina Guo casi hace olvidar el jingle de la serie con Lynda Carter por completo (pese a que
éste también perdurará en nuestra mente).
6.El reloj de Steve Trevor… o una importante declaración.
Aquella escena en la
que Diana ve desnudo a Steve Trevorella
pregunta “¿Qué es eso?”. Él nervioso
piensa que se refiere al miembro masculino, pero se da cuenta de que habla de su reloj y procede a explicar sus funciones.
Finalmente ella resuelve: “¿Esa pequeña cosa te dice qué hacer?”. Si bien el chiste sí es referente al artefacto que da la hora, en una segunda
lectura parece que la heroína es la voz de toda mujer intentando hacer reflexionar al público masculino: ¿Eres
esclavo de tus impulsos biológicos?
“That tiny thing tells
you what to do?”
7.El tributo Superman.
Patty Jenkins, directora de la
cinta, es fanática de las películas de superhéroes que muestran los orígenes
de los mismos. Por ello, no podía faltar un tributo al primer filme de
éste género: “Superman” de Richard Donner con Christopher Reeve. Se trata de la escena en la que Clark defiende a
Lois de unos bandidos en un callejón. Aquí pasa igual, nuestra heroína defiende
su noble caballero de un grupo de espías que pretende hacerle daño.
8.El reconocimiento a un héroe de otro universo
Pero Jenkins no vacila
para rendir también tributo a un héroe propio de MARVEL. Se trata del “Spider-Man” deRaimi, en la escena en la que éste, tras una pelea en la escuela,
se refugia en un callejón y comienza escalar una pared para explorar sus
poderes.
Aquí, encontramos a
Diana tratando de subir la torre que alberga la icónica armadura y la espada
con que luchará. Mientras lo hace está a punto de caer, pero es cuando se da
cuenta de que su fuerza la ayudará a salir victoriosa si se lo propone y al igual que el arácnido comienza a subir.
9.El guiño a las
princesas
Sí,
Diana es una superheroína, pero también es una princesa. Patty Jenkins, consciente
de ello, nos provee de una escena que nos hace recordar a la misma Sirenita cuando rescata al príncipe Erick
de morir ahogado. Se trata de aquella en la que se encuentra a Steve Trevory le salva la vida. Su
primer encuentro con un hombre, al igual que Ariel, se da a la orilla del mar.
10.Las enseñanzas de la
superheroína.
El cine de superhéroes debería siempre de
contar con enseñanzas que nos motivarán a ser nuestra mejor versión (por algo
son héroes). En éste caso esa regla no escrita se cumple. Diana nos enseña a
ser files a lo que creemos (pese a que también sabemos está algo decepcionada
de la humanidad por la guerra):
“It's
about what you believe. And I believe in love. Only love will truly save the
world”.
