Buscaba un espacio para hablar de cine y lo hallé aquí. Éste es un blog dedicado a todos los amantes del séptimo arte que como yo tienen siempre la mente en el cine.
Actúan:Joaquin Phoenix, Alessandro Nivola, John
Doman, Judith Anna Roberts
País:
Estados Unidos
Género:
Thriller
Sinopsis:
Joe (Joaquin
Phoenix), ex marine y antiguo veterano de guerra, es un tipo solitario que
dedica su tiempo a intentar salvar a mujeres que son explotadas sexualmente. No
se permite ni amigos ni amantes y se gana la vida rescatando jóvenes de las
garras de los tratantes de blancas. Un día recibe la llamada de un político
porque su hija ha sido secuestrada.
"Joe, wake up. It's a beautiful day."
Es
innegable que las mejores historias están hechas de personajes inolvidables. Ese
es el caso de esta cinta de Lynne Ramsay, que no en vano le valió a su
protagonista, Joaquin Phoenix, el premio en Cannes como Mejor Actor, así como
el de Mejor Guion a la misma Ramsay por la historia basada en la novela de
Jonathan Ames.
Conociendo
de qué va la trama, quizá al aproximarse sin saber algo sobre la novela, al
espectador promedio podría parecerle que la película guarda parecido con “Búsqueda
Implacable” y no porque ambos filmes sean de la misma manufactura o género,
sino más bien por el hecho de que en las dos historias, los protagonistas se
adentran en el mundo de la trata de blancas con el propósito de rescatar a una
joven (o en este caso, a una niña), dejando así ver cómo es que funciona esta
red.
Sin
embargo, el acercamiento que hace la también realizadora de “Tenemos que hablar
de Kevin” a este submundo resulta más bien superficial, la acción es simple y
sin muchos giros, porque más bien es la excusa para mostrarnos a un personaje
lleno de disparidad en un ambiente crudo, todo enmarcado por una fotografía en
la que contrastan los escenarios oscuros con los luminos.
El
atractivo radica pues en la brillante construcción del personaje principal. Joe
es en apariencia un tipo rudo (barbado fornido y robusto), pero con forme
avanza la historia descubrimos que su apariencia es el disfraz de su frágil
personalidad. Si bien no vacila al herir o matar a quien se interponga en sus
propósitos, en realidad es un hombre sumamente inseguro y roto, víctima de una
infancia conflictiva por un padre abusivo, de un pasado en la línea de combate
y de todas las vivencias de su actual empleo. De todo esto nos percatamos
gracias a las bien insertadas escenas retrospectivas, en las que conseguimos
entender el porqué de ciertos comportamientos.
El
personaje de Phoenix consigue además recordar por momentos a un Norman Bates (cinta
que tal vez no en vano es mencionada por la madre Joe), incluso es posible caer
una curiosa cuestión: ¿pudiera Norman Bates haber sido un héroe si hubiera
estado en un contexto diferente? Es verdad que el personaje de Phoenix no esta
tan enfermo como el protagonista “Psicosis”, pero ambos tienen las mismas
agallas para matar y son emocionalmente inestables.
Realmente
es una suerte que Phoenix no se haya retirado del cine como hace un tiempo
había dicho que haría, pues sobre él casi todo el peso de la historia. Sin su
impecable interpretación tal vez no valdría tanto la pena ver esta película.
Actúan: Rami Malek,
Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee,
Lucy Boynton
Sinopsis: Una celebración del grupo Queen, de su música y de su extraordinario cantante Freddie Mercury, que desafió estereotipos e hizo añicos tradiciones para convertirse en uno de los showmans más queridos del mundo.
“You have the time,
you have the power, you are yet to have your finest hour…”
Me encontraba en medio de una sala de cine viendo la más
reciente película de Damien Chazelle y yo no podía dejar de pensar en Queen.
¿No es eso raro? A casi mitad de la película, en una escena comenzó a sonar una
canción y la amiga que me acompañaba volteó a verme y dijo “Pensé que la
canción iba a ser una de Queen”. En ese momento entendí lo que pasaba: “Bohemian
Rhapsody” se había implantado en nuestra mente.
La película dirigida por Bryan Singer (que se dice fue
terminada por Dexter Fletcher), se ha perfilado como una de las cintas que más
ha dado de qué hablar este año. Y no podría esperarse menos de una historia que
sigue de cerca a Queen, una de las bandas más icónicas de los años 70, que
además presume de hacer especial énfasis en retratar la historia de Freddie Mercury, su
vocalista, uno de los más grandes showman
que han existido.
El filme sin duda tiene sus bondades. No sólo nos
transporta a la intimidad del grupo británico abriéndonos las puertas de
algunos de los lugares en los que compusieron sus más populares temas, también
nos lleva a algunas de sus mejores presentaciones como la histórica
de Live Aid, con una estética que realmente nos hace sentirnos en la época en
que ocurrió.
Y qué decir de la caracterización de Rami Malek como
Freddie, por momentos casi podríamos jurar que son la misma persona (olvidándonos claro del detalle de la mandíbula más cuadrada del cantante), pues incluso
la interpretación y el trabajo vocal que realizó en conjunto con Marc Martel, nos ayuda a crear
la ilusión de que el compositor de temas como “Killer Queen” aún está vivo.
Lo mismo ocurre con el resto del elenco: Gwilym Lee como
el guitarrista Brian May, Ben Hardy como el baterista Roger Taylor y Joseph
Mazzello como el bajista John Deacon, cada uno pareciera ser miembro original
de la banda.
No obstante, la película está lejos de ser perfecta en la
estructura del guion. Cuenta con errores en cuanto a fechas y sucesión de
hechos. Por ejemplo, no es verdad Mercury se enteró que padecía Sida poco antes
de Live Aid en 1985 (la noticia de esta enfermedad llegó hasta 1987) y tampoco fue
él el primero en la banda que lanzó un proyecto como solista (antes Taylor ya
había lanzado dos álbumes por propia cuenta). Sin embargo podemos perdonar tales
datos en pro de una narrativa mucho más dramática.
Lo que quizás no es tan disculpable es que varios higligths de la vida de Mercury se ven
desperdiciados. No me refiero a ver más a detalle la sabida vida privada de la
estrella (las irreverentes fiestas, los excesos…), que esos detalles sean sólo
insinuados más se agradece, pues la falta de escenas morbosas contribuye a
dejar fuera los prejuicios y rendir tributo al ícono.
Pero ¿qué hay de
sus últimos días de vida? Cuando admite en televisión a su público que
tiene SIDA un día antes de morir y a la filmación del último video filmado por
la banda “These are the Days of Our Life”
(en el que, a pesar de las cantidades de maquillaje que usó Mercuri era notable
su deterioro), mismo que sirvió como forma de despedida a todos: a Freddie de
su público y a los músicos de su amigo.
Sin duda falta profundidad y es que más bien el rumbo de
la trama nunca termina de definirse: ¿es esta una biopic del vocalista o una historia sobre la banda? Pero sí lo que importa son los miembros y su música por igual ¿Por
qué no sabemos más detalles personales sobre May, Deacon y Taylor?
Pero pese a todo, el mayor triunfo de la cinta es haber llevado
al público a redescubrir la música de Queen, despertar la curiosidad sobre
quiénes eran los integrantes y de qué hablan sus composiciones. Dicho de otro
modo, su éxito radica en haber vuelto a poner de moda a una gran banda.
Algo es seguro, difícilmente nos olvidaremos de “Bohemian
Rhapsody”, en un futuro cercano.
Reparto:Jacir Eid, Hassan Mutlag, Hussein Salameh, Marji Audeh,
Jack Fox
Sinopsis: Arabia, 1916. Luego de
haber perdido a su padre, Theeb y su hermano mayor Hussein, viven con su tribu beduina en un rincón olvidado
del Imperio Otomano. Sus vidas son interrumpidas con la llegada de un oficial del ejército
británico y su guía con una misión misteriosa que dará un giro a la vida del
pequeño.
¿Cómo
una historia cruda puede a la vez ser tan tierna? Parece un misterio, pero es
precisamente lo que el director turco Naji
Abu Nowar logra conseguir en “Theeb”,
su ópera prima.
La historia es bastante simple. Sigue de cerca
a un niño beduino, Theeb (Jacir Eid Al-Hwietat) que vive en la provincia
Otomana de Hijaz durante la Primera Guerra Mundial y se ve forzado a vivir un
acelerado paso a la vida adulta cuando se adentra en el desierto para acompañar
a uno de sus hermanos mayores a ser guía de un oficial británico (Jack Fox) que
pasa a través de su campamento con su agente árabe.
En
cuanto la cinta da inicio la situación
parece poner a prueba nuestra paciencia, pues es realmente muy poco lo que,
tanto nosotros como el pequeño protagonista, sabemos sobre la aventura que nos
depara.
¿Quién
es el hombre inglés y qué es lo que quiere? ¿Qué es lo que se haya en la caja
que con tanto recelo guarda? Es lo que nos preguntamos junto con Theeb a la vez
que escuchamos fragmentos de conversaciones entre los adultos que sólo cobran
sentido al final.
Tan
pronto como el niño decide adentrarse sólo en el desierto para intentar seguir
por su cuenta a su hermano y compañía en la búsqueda un pozo, comienzan los
giros y sobresaltos que a partir del primero serán constantes en el desarrollo;
aunque el hecho de que no vayan siempre uno tan seguido de otro y nos dé
respiros su realizador en el medio, ayuda que la historia pueda ser concebida
más como un hecho real que como uno ficticio.
En
su viaje no todo lo que ocurre es malo, hay momentos alegres y pequeñas
victorias en las que vemos, pero a la par son varias las muertes y peligros que
a Theeb tendrá que presenciar y que inevitablemente lo harán transformarse.
Y
pese a que por momentos parece que la trama se alarga y no ocurre nada, es
justo cuando comenzamos a tener tiempo para aburrirnos y reacomodarnos en la
butaca, que un nuevo incidente toma lugar para alterar el aparente orden y
hacernos así temer por el destino de nuestro pequeño héroe.
Finalmente, para
cuando descubramos el contenido la misteriosa caja del hombre inglés (que en
apariencia no era más que el MacGuffin que desata la trama pero que carece de
importancia), Theeb dejará realmente de ser niño, pues se verá empujado a tomar
un fallo del que no habrá vuelta atrás. Una cinta simplemente imperdible para
un cinéfilo.
A partir de 1935, (seis
años después de la primera ceremonia de entrega del Oscar), la Academia opto por crear una categoría que otorgara una estatuilla a la
mejor canción original incluida en una banda sonora.
Expresar en una canción
la esencia de una película sin lugar a dudas debe ser una labor complicada,
pero cuando un compositor lo consigue, éstas tienden a volverse inolvidables y
logran evocar todos esos sentimientos que como espectadores tuvimos al ver una
película.
En un inicio, las
canciones nominadas eran de un estilo clásico y bastante conservador, pero
conforme fueron avanzando los años esto cambió, permitiendo así que artistas de talla
mundial comenzaran ser premiados por composiciones mucho más modernas y sonadas
en el radio.
He aquí algunas de las mejores y más memorables canciones ganadoras del Óscar (partiendo
de lo más nuevo a lo más viejo). ¿Alguna una favorita?
“City
of Stars” de “La La Land”
Compuesta por Justin Hurwitz con letras deBenj Pasek y Justin Paul esta canción es interpretada por Ryan Gosling y Emma Stone quienes dan vida a Sebastian y Mia,
en un musical moderno con toda la esencia de los de la época dorada del cine Hollywoodense
que consigue transportarnos precisamente a esa época sin hacernos olvidar de la
realidad.
“Glory”
de “Selma”
Interpretada por el
cantante John Legend y el rapero Common, compuesta por ambos junto con Che Smith, para la película basada en
las marchas por los derechos de voto de 1965 que sucedieron de Selma a
Montgomery encabezadas por Martin Luther King, Jr.
“Skyfall”
de “007 Operación Skyfall” (“Skyfall”)
El tema principal de la
cinta número 23 sobre las hazañas del agente 007, fue compuesto por la
interprete inglesa Adele junto con junto
a Paul Epworth, quienes se llevaron la estatuilla en 2012.
Fue “Skyfall” fue una
canciónsumamente alabada por la
crítica por varias razones, pero principalmente debido a lo adecuada que
resultaba para el personaje de James Bond.
“Jai
Ho” de “Quisiera ser millonario” (“Slumdog Millionaire”)
Este tema, perteneciente
a la película ganadora del Óscar en 2008, fue compuesto A. R.
Rahman y Gulzare interpretado
por el primero.
La cinta muestra a Jamal Malik,
un joven originario de los barrios más pobres de Bombay, que logra entrar a
competir en la versión hindú de “Quién quiere ser millonario”. Yendo en contra
de todas las probabilidades, Jamal no sólo termina por ganar 20 millones de
rupias en tal concurso, sino que también luego de toda una odisea, consigue
volver a reunir con Latika, a quien amó desde niño.
De ahí que al final, en
una escena que homenajea al cine Bolywoodense, la canción sirva como el remate
perfecto que nos llena de euforia al comparar los extremos de la vida del
protagonista (cuán dura fue al inicio y cuán feliz fue al final) y así queramos
cantar victoria (o mejor dicho Jai Ho).
“Falling
Slowly” de “Once”
Glen
Hansard y Markéta Irglová, cantantes,
compositores y protagonistas de “Once” interpretan el tema principal de esta
cinta. En ella un par músico callejero y una inmigrante se conocen y pasan una
semana componiendo, ensayando y grabando canciones; al tiempo que se conocen y
en cada uno comienzan a surgir sentimientos por el otro. Una historia de amor
tan idílica como efímera y casi imposible. Todo eso es lo que condensa
perfectamente la composición “Falling Slowly”.
“Lose
Yourself” de “8 Mile: Calle de ilusiones” (“8 Mile”)
Se trató del primer rap
nominado al Óscar como canción original, aunque Eminem(intérprete y compositor junto con L. Restoy J. Bass) no
se presentó en la ceremonia para interpretar el tema (siendo la primera vez en
14 años que ocurrirá esto).
La canción habla exactamente
de lo que vive Jimmy “B-Rabbit” Smith (interpretado por Eminem), un joven
rapero a quien se le presenta una oportunidad para hacer sus sueños realidad
pero que debido al conflictivo ambiente en el que vive duda de sí mismo y de
sus oportunidades.
Una historia que parte de
las vivencias del mismo Eminem en sus primeros pasos en el mundo del rap intentando
ganarse el respeto entre los raperos de color.
“Things
Have Changed” de “Loco Fin de Semana” (“Wonder Boys”)
En el año 2000, el señor Bob Dylan logró hacerse del Óscar por
componer en totalidad este tema para la película que se basaba en la novela
homónima de 1995 de Michael Chabon.
La canción es una mirada en
primera persona de la historia de Grady Tripp (Michael Douglas), quien en su juventud escribió una exitosa novela,
pero que en el presente trabaja como profesor en la Universidad de Carnegie
Mellon. Grandy y lleva siete años sin poder escribir su segundo libro.
Las cosas se complican
más cuando su tercera esposa lo abandona, su editor Terry (Robert Downey Jr.) aparece para ver sus avances y su estudiante
protegido James Leer (Tobey Maguire) parece tener lo que se
necesita para quitarle la corona.
“My
Heart Will Go On” de “Titanic”
El tema principal de
enorme barco que se hundió nuevamente gracias a James Cameron, fue compuesto
por James Hornery Will Jennings e interpretado por Celine Dion.
En el contexto de la
época en la que zarpó y se hundió el RMS Titanic, la película nos muestra cómo
a bordo de la flota, florece la historia de amor entre Rose (Kate Winslet), una joven de la alta
sociedad, y Jack (Leonardo DiCaprio)
un artista pobre. Al final Jack es uno de los tantos pasajeros que muere al
hundirse el navío pero Rose sobrevive y debe continuar con su vida sin él.
La canción, que puede
escucharse al final del filme, habla por Rose sobre como, pese al dolor de
haber perdido al amor de su vida, debe de continuar llevándolo a él siempre en
su corazón.
“Can
You Feel The Love Tonight” de “El Rey León” (“The Lion King”)
La canción de la película
animada de Disney fue compuesta por compuesta por Elton Johncon letra de Tim
Rice, aunque en un inicio no se tenía contemplado incluirla en el filme.
La película cuenta la
historia de un pequeño león, Simba, quien es heredero al trono, pero que al ser
culpado por su tío de la muerte de su padre, se exilia en la jungla y trata de
evadir sus responsabilidades. Al crecer, Simba se reencuantra con Nala, una
leona amiga de la infancia, de quien se enamora y lo intenta convencer de regresar.
Ésta melodía, justamente
habla sobre el momento en el que entre ambos jóvenes leones surge el amor.
“Streets
Of Philadelphia” de “Filadelfia” (“Philadelphia”)
En 1993 sería el turno de
Bruce Springsteen de conseguir el
Óscar con éste tema que suena durante una de las escenas de la película que
también le valió a Tom Hanks la
estatuilla por Mejor Actor.
Andrew Beckett (Hanks) es
un joven y prominente abogado que es despedido injustamente del buffet de
abogados del que formaba parte, debido a que se descubre que es homosexual y
tiene sida.
La melancólica balada de Springsteen,
consigue ponernos en los pies de Andrew. Nos habla en primera persona sobre una
enfermedad que te va desgastando tanto física como emocionalmente y que provoca
que el miedo y los prejuicios te arroje a la soledad.
“Beauty
And The Beast” de “La Bella y la Bestia” (“Beauty And The Beast”)
Alan
MenkenyAlan Menken son los compositores
detrás del tema que en inglés se hizo popular con las voces de Celine Diony Peabo Bryson.
Esta composición, sobre la película en la que una hermosa joven que
se ve obligada a vivir junto a un príncipe convertido en bestia, es
prácticamente el compendio de lo esencial del filme: la historia de un amor muy
inesperado.
“(I've
Had) The Time Of My Life” de “Dirty Dancing”
Franke
Previte,John DeNicolayDonald Markowitz son los responsables del tema interpretado por Bill Medleyy Jennifer Warnes que suena durante el baile final de ésta cinta
protagonizada por unos jovensísismos Patrick
Swayze y Jennifer Grey. Con los
años habría de hacerse también popular entre las nuevas generaciones por parios
otros remakes.
La historia es simple: al
pasar el verano en un campamento de vacaciones con su familia, Frances “Baby”
Houseman (Grey) se enamora del instructor de danza del campamento Johnny Castle
(Swayze). Para quienes no hayan visto la película, basta con escuchar la
canción para adivinar lo que pasa con ambos.
“What
a Feeling” de “Flashdance”
La canción, compuesta por
Giorgio Moroder,Keith ForseyeIrene Cara,
interpretada por ésta última, fue el tema principal de la cinta protagonizada
por Jennifer Beals.
En ella, una joven de Pittsburgh con dos
trabajos, uno como soldadora y otro como bailarina exótica, quiere entrar en
una la escuela de ballet. De ese deseo casi imposible nos habla “What a
Feeling”.
“Fame”
de “Fama” (“Fame”)
El musical dirigido por Alan
Parker contó con éste tema de la autoría de Michael Gore y Dean
Pitchford que fue interpretado por Irene
Cara.
La película nos muestra
una crónica de la vida de varios adolescentes que acuden a una preparatoria para
estudiantes dotados en las artes escénicas. La canción nos habla sobre el
sentimiento compartido de cada uno de ellos por alcanzar la fama.
“Raindrops
Keep Fallin' On My Head” de“Butch Cassidy” (“Butch Cassidy and the Sundance Kid”)
B.J.Thomases el intérprete del famoso tema escrito por Burt Bacharach y Hal David para
el western estelarizado por Paul Newman
y Robert Redford.
En éste, Butch Cassidy (Newman) junto con su inseparable compañero Sundance Kid (Redford) comandan a un grupo de jóvenes
pistoleros. Un día, después de un atraco, el grupo se disuelve. Es entonces
cuando Butch, Sundance y una joven maestra (Katharine Ross Ross) forman un trío
de románticos forajidos que intenta huir de la ley y llegar Bolivia.
La canción captura el
optimismo y carisma de los personajes a pesar de las circunstancias.
“The
Windmills of Your Mind” de “El caso de Thomas Crown” (“The Thomas Crown Affair”)
Steve
McQueen y Faye Dunaway protagonizan el filme que
contiene esta composición de Michel
Legrand, Alan Bergman y Marilyn Bergmanque era interpretado
por Noel Harrison.
Thomas Crown (McQueen) es
un millonario de Boston que, aburrido de de la vida que lleva, prepara el golpe
perfecto: robar un banco y marcharse después a Brasil. Para ello, reúne a un
grupo de delincuentes, deposita tres millones de dólares en un banco suizo y da
el golpe sin dejar pistas. Vicki Anderson (Dunaway), la investigadora de una compañía de seguros, descubre que Crown es
la mente maestra del atraco.
El tema captura la
esencia del juego del gato y el ratón que se desata entre los protagonistas y
la historia de amor que eventualmente surge.
“Whatever
Will Be, Will Be (Que será, será)” de “El Hombre que sabía demasiado” (“The Man
who Knew too Much”)
En este remake de 1956 deAlfred Hitchcock, originalmente
dirigida por él en 1934,James Stewart
y Doris Day encarnaban, una pareja
que durante sus vacaciones familiares en Marruecos, termina por enterarse de un
complot para asesinar al primer ministro inglés. Pero este secreto pone en
riesgo la vida de su único hijo, quien es secuestrado para hacer a ambos
guardar silencio.
El tema principal,
compuesto por Jay Livingston y Ray Evans que fue interpretado por la
misma Day dentro de la cinta, es un juego entre el título de la película (que
hace referencia al hecho de que los personajes saben más de lo que necesitan) y
el hecho de que Day le dice a su hijo en una canción que la vida es inesperada
y nuestro destino incierto.
“When
You Wish Upon A Star” de “Pinocho” (“Pinocchio”)
Compuesto por Leigh Harline y Ned Washington y originalmente interpretado por Cliff Edwards (voz de Pepito Grillo en
inglés), este clásico tema que pertenece a la película del títere que cobra
vida por un deseo de Geppetto al Hada
Azul; captura prácticamente toda la esencia de lo que es (o por lo menos vende)
Disney.
Una estrofa lo puede
resumir todo: “If your heart is in your dream, no request is too extreme”. (Si
tu corazón está en lo que sueñas, ninguna petición es muy extrema.)
“Somewhere
Over the Rainbow” de “El Mago de Oz” (“The Wizard of Oz”)
Harold
Arlen y E.Y. Harburg son los responsables del
tema que Dorothy (Judy Garland)
canta al inicio del filme dirigido por Victor
Fleming, antes de la odisea que la lleva al maravilloso pueblo de Oz, mismo
en el que descubre que “No hay lugar como el hogar”.
Una canción tan
fantasiosa como la historia misma.
“The
Way You Look Tonight” de “Swing Time”
La canción que
posiblemente se hizo popular gracias a que llegó a ser escuchada de la voz de Frank
Sinatra, originalmente fue interpretada por Fred Astaire en éste musical en el que, como era habitual, hacia
pareja con Ginger Rogers (a quien en escena le cantaba Fred éste tema).
Sus responsables fueron Jerome Kern y Dorothy Fields.
“The
Continental” de “La Alegre divorciada” (“The Gay Divorcee”)
Ésta es posiblemente la
menos recordada de todas canciones aquí mencionadas. Sin embargo, es memorable
debido a que es la que sirvió para inaugurar la lista de las ganadoras de la categoría
Mejor canción Original.
En la cinta puede
escucharse de la voz de Ginger Rogers y fue compuesta por Con Conrad y Herb Magidson.
Título original: “Stronger” Director: David Gordon Green Guion: John Pollono (Novela: Jeff Bauman) Reparto: Jake Gyllenhaal, Tatiana Maslany, Miranda Richardson País: Estados Unidos Año: 2018 Género: Drama Sinopsis: Inspirada en la verdadera historia de Jeff Bauman, un hombre ordinario quien capturó los corazones de su ciudad y el mundo, para convertirse en un símbolo de esperanza, después de la infame explosión de bomba del Maratón de Boston del 2013.
"I'm a hero for just standing there and getting my legs blown off?"
En 2013, luego del
bombardeo en la línea de meta de la famosa Maratón de Boston, una fotografía de
un hombre con sombrero de vaquero cargando a otro hombre herido dio la vuelta al mundo. El herido era Jeff
Bauman, un hombre que luego de aquel terrible evento en el que perdió ambas
piernas, se convirtió en un símbolo de fortaleza para de Boston ante el
terrorismo, un recordatorio de que a pesar de la tragedia, la gente seguía de
pie.
Sin embargo, lo que el
director David Gordon Green opta por mostrarnos en su cinta no es precisamente
la historia de un héroe en el pedestal en el que lo colocó su país. Esta es más
bien la de un hombre de carne y hueso con defectos y virtudes, fortalezas y
debilidades. En otras palabras, un protagonista siempre humano en una cinta que
huye del camino predecible hacia lo cursi y que se escapa del melodrama pese a
lo mucho que se presta el tema para caer en estas situaciones.
Una decisión bastante
brillante, pues de este modo como espectadores realmente logramos entender todo
lo que sobrellevó el protagonista luego del trauma que vive, más aún al estar
rodeado de familiares y amigos que en su mayoría son ignorantes a su dolor y
sólo se atañen en exhibirlo como el icono que él no siente ser.
Y todo esto se consigue,
por medio del impecable trabajo actoral tanto de Tatiana Maslany como el
interés amoroso de David, como al que
nos tiene acostumbrados Jake Gyllenhaal, y que una vez más vuelve a ser pasado
por alto entre las nominaciones al Oscar.
Gyllenhaal nos muestra al
hombre en todas sus facetas, tanto buenas como malas y nos recuerda cómo
realmente una persona no cambia sólo porque cambie su condición. Así mismo, una
vez más, consigue hacer que nos olvidemos de él como actor y podamos con sus gestos
y lenguaje físico ver única y exclusivamente a Bauman reconstruyendo su vida y
su relación amorosa.
Esta es además una cinta
resulta bastante relevante para época en la que vivimos, pues nos muestra como
protagonista a un americano promedio cuya familia es de opiniones un tanto
desinformadas (misma que probablemente llevo a Trump al poder), pero que al
mismo tiempo tiene que reconocer el heroísmo de un hombre latino (hablo de Carlos Arredondo, aquel del sobrero vaquero que mencionaba en la celebre fotografía).
Sin duda una cinta que
bien vale la pena ver, pues es tan emotiva como directa en su mensaje.
“Nunca Estarás a
Salvo”
